これまで14回にわたって、ジャズとデュオの新たな関係性について具体的な作品を取り上げながら考察してみた。
テーマが現在進行形の事象なのであるから、14回のなかで挙げた事例のみで総論を語るのは乱暴にすぎると承知のうえで、その内容をまとめて解説してみたい。
これまで本稿で“新たなデュオ”だと考えたのは、「楽器の表現力や可能性を炙り出す」「インタープレイと作品性を両立させる」「演奏者の共感とその再生」「デュアル・ストーリー」「ポジションの自由化」「倍音」「メロディの輪郭」に関係するものだった。
1990年代以降のジャズ・シーンを俯瞰してみると、楽器そのものに関しては1970年代のアコースティックからエレクトリックへの転換ほど大規模な変化はなかったものの、録音や再生の技術には楽器本体の在り方を変えざるをえないほどの変化があったと言っていいかもしれない。
要するに、演奏側ではなく聴者側の環境（接し方）が変わったために、演奏者の意識も変わらざるをえなかったということ。
そしてこの変化によっても、デュオという1対1の、ある意味でミニマムにして最大の効果を発揮できる音楽的対峙の方法論が備えていた“プリミティヴなダイナミズム”は弱められなかったことに、今回の新デュオ論の核心があると言ってもいいだろう。
つまり、“この楽器はこういう音色だからこの組み合わせが最適”だという“経験則”を超えた部分でサウンドを構築しようと、演奏者たちが先進的な取り組みを始めるなか、デュオだからこその“プリミティヴなダイナミズム”がリスナーに伝わりやすかったのではないか、ということなのだ。
主観的であったこれまでの演奏者と楽器の関係に、リスナーの意識が入ることによって客観性が生まれれば、必然的に方法論も変わってくる。
それによって、これまでインタープレイのような“楽器同士の対峙”だけだったものから、作品性を考える余地や、演奏者の共感を異なるイメージへと転換させる発展性が生まれることになり、ストーリーを多層化するようなアプローチも可能になった。
また、楽器の特性に対する固定観念を薄れさせることによって、演奏中のポジションの自由度も増すことになる。1対1であることや攻守の順番を守ることに固執しなくても済むことは、演奏者の想像力を刺激する大きな要因になったはずだ。
倍音やメロディの輪郭といったアイデアは、従来の制約を前提とした、デュオを破綻させないための“自主規制”からは決して生まれないものだろう。
であるならば、こうしたアイデアの成果がデュオを超えたかたちで具現することで、トリオやクァルテットへと波及し、ビッグバンドでも完成度を高めて披露されるようになるに違いない。
楽しみにその成果を待つとともに、その兆候も追って報告したい。
＜了＞
富澤えいち〔とみざわ・えいち〕
ジャズ評論家。1960年東京生まれ。学生時代に専門誌「ジャズライフ」などでライター活動を開始、ミュージシャンのインタビューやライヴ取材に明け暮れる生活を続ける。2004年に著書『ジャズを読む事典』（NHK出版生活人新書）を上梓。カルチャーセンターのジャズ講座やCSラジオのパーソナリティーを担当するほか、テレビやラジオへの出演など活字以外にも活動の場を広げる。専門誌以外にもファッション誌や一般情報誌のジャズ企画で構成や執筆を担当するなど、トレンドとしてのジャズの紹介や分析にも数多く関わる。『井上陽水FILE FROM 1969』（TOKYO FM出版）収録の2003年のインタビュー記事のように取材対象の間口も広い。2012年からYahoo!ニュース個人のオーサーとして記事を提供中。
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